藝術是結合娛樂以及現實議題的一種體驗；而現時在漢雅軒 @hanarttzgallery 以及牛棚 @1a_space 舉行的版畫展覽剛好滿足了兩種需求。 位於葵涌的漢雅軒與本地版畫工作室 @mableprintclay 共同策劃是次展覽，展現了21種不同主題、風格，版畫形式與技巧。商業畫廊雖然未必經常出現批判風格強烈的展覽，但是策展團隊以年輕藝術家的作品作為主軸，引導觀眾思考版畫的可複製性與其價值，不失為一種易於入口的出發角度。商業畫廊的藝術品並非必然只與商業色彩強的「娛樂」掛鉤，例如版畫藝術家 @jaylauka 以「自願犧牲的代罪羔羊」作為創作主題，加入了現代背景、@michelleksfung 對環保議題的反思等等⋯⋯都是一種混合視覺美學與社會議題的藝術體驗。 從漢雅軒去到牛棚，雖然兩者都是以版畫作主題，但是風格卻截然不同。前者氣氛較為活潑爽朗，後者則較為嚴肅沉重。雖然兩者都以新木刻運動作為引子，版畫的「可複製性」除了有商業畫廊注重的經濟價值外，牛棚這邊則更多了一層「可傳達性」的探討。 由 @hkopenprintshop 香港版畫工作室

如果視藝術空間為客，來客是主，藝術家在這片空間做出來的會否更能回應主角 —— 社區大眾的需求？ 油街實現最近開設了新的藝術空間。除了增加場地可用面積，開放式設計的玻璃屋、陽台、花園等都擴大了油街實現作為一個藝術與社區公共空間的可能性。從電氣道的入口步進園地，即被有幾分日本風味的大片庭園吸引。右邊是一個巨大的投影裝置，而沿着左手邊上樓梯，便能走到將展覽、活動和圖書館空間合而為一的「貳零貳貳同學會」。你以為只是一個普通的回顧展？幾乎每個展示作品的架上都添加了與觀眾互動的元素：報紙架形式的檔案展品，可以領養的碗碟，隨你揮毫的水墨，按鍵細聽老人家講述最令其難以忘懷的味道或氣味⋯⋯策展團隊刻意加入大量互動元素，讓公眾得以感受到自己與空間的聯繫。 若翻查油街歷史，這座紅磚建築早期是香港皇家遊艇會總部，90年代改為租給藝術團體。由於規限較少，這個小地方當時孕育了不少的藝術計劃。以往筆者曾經看過某些「油街（或牛棚） VS 藝術自主」的討論，探討所謂「藝術自主」是否已不復存在。筆者認為將空間交予一群藝術家自行打理、發展，自然能看到最多碰撞，從而刺激創作新意念；然而

以前的通識堂常提到「全球化」、「世界公民」等概念。現在試想像地球是一個「網」，在網中的我們又該如何看待自己的身分？ 現時在南豐紗廠舉行的展覽「再紡東亞系列：邊織邊拆的網」集合了來自東亞各地的藝術家，探索人們在地域和思想界線變得模糊時如何確立與回應彼此的視角。八月風暴行動後流離失所的在滿日僑，美國「共產主義頭髮貿易制裁」下瓦解的香港假髮業⋯⋯大環境的每一個改變都牽動了小市民的生活。可惜的是，許多展望未來世界大同的「理想」最後只產生對立與矛盾，倒是時間永遠只會一分一秒地推進下去 —— 織物隨時日褪色、人隨歲月衰老，自然進程從不會理會哪個時代的誰較慘或幸福。 對立不一定是火花四濺的高溫碰撞。白牆下的幼線靜悄悄又無聲無息地存在；若不停步放大來看，我們或許也不會為意到它們的存在，就如歷史長河中陸續被遺忘的一個個小事件。細看之下，卻會發現即使是多麼小的黴菌，也能培育出令人出奇意料的晶體 —— 我們此刻做的每一個決定，也可能會影響百年後的大局呢。 「世界公民」的身分到底是如何產生出來的呢？地理上的限制有如繩束綁住我們，但鄰近的彼此可以互相牽引、影響，構建出你中

月有陰晴圓缺，人有悲歡離合 —— 近年社會氣氛壓抑，人與人之間的距離變得更遙遠，羈絆再次變得脆弱；未來被一片陰霾籠罩，心靈若得若失，似乎連滿月也會被烏雲擋成新月。 大館展覽《圓缺俱樂部》展出了七位本地藝術家的作品，賦予參觀者一個撫問心靈的機會。大大的屏幕化成了魚缸玻璃，吸在玻璃上的魚被擴張到大得像人，器官細節愈看愈有窒息感；閉路電視無處不在，帽子口罩也無法阻止你的步姿出賣身分。監視螢幕中的人，與缸中的魚又有何分別？當我們不能掌控自己的私隱，嘗試努力擺弄著手腳來糊弄系統，甚或一個個四肢五官的微小動作，可能已算是一種「消極的積極」。民眾因猜疑、刻板印象等喪失認識別人的信心和機會；那如果兩人之間隔了一塊巨型布料，讓昏暗的管道成為自己的保護膜，慢慢感受對方的肢體動作，甚或聽到對方的肉聲，繼而交談 —— 這會否成了一種最容易建立，但也最模糊的親密關係？ 星會化塵，人的記憶也不過是元素的化學作用，可以輕易伴隨有機物的衰退而消失。長曝光使人物面貌模糊不清，正如談話中的離愁別緒壓迫淚腺，讓我們總看不清他們離開前的最後一面。兩盞相鄰的燈膽一明一暗，貌合神離，細看發

畢業展未必僅限於展示學生在求學期間習得的學業成果與結晶，這次我們也看到了一場技術與人文思想碰撞。 本屆中大建築碩士年展的內容圍繞十二個主題，從不同的角度詰問建築與社會的關聯。乍看之下作品花多眼亂，不過只要按主題逐一觀賞，便能看出箇中條理。每份作品除了包括建築模型成品或圖樣，也附上了畢業生的研究報告。主題展區「Why Art Museums?」參考了歷史上有名的展覽和不同的藝術館內籠設計，探討藝術館與觀眾、藝術家，甚至是拍賣行之間的關係。大眾在參觀展覽時，未必經常會察覺到展館內的空間設計究竟會對人的感官認知造成甚麼影響。一個地方的建築設計與佈局，也許暗暗主導了我們的潛意識，繼而影響我們看作品時的感受。 舊城的歷史與文化，如何得以透過建築承傳？學生以沙頭角梅子林的活化工程為例，探討舊社區的活化和改造。設計師們以村落的生活習慣和建築歷史為藍本，研究村民的生活方式：例如釀酒雖然是村民其中一項傳統技藝，聽起來似乎和建築沒有太大關聯，但學生在設計藍圖上就加入了釀酒的空間，希望能藉建築之力保存傳統文化。在香港，我們經常聽到人說要「用盡每一寸空間」，彷彿人必然要

如果可以把整個社區濃縮成一場展覽，它會有一副怎樣的面孔？ 西九文化區新展覽「西油記」把整個西九龍社區（油麻地佐敦一帶至西九文化區）的今昔回憶一一呈現。展覽的主角不僅是一個個人，而是整個社區，也是屬於這個共同體的回憶。展品由本地中小學生和教大藝術系學生以不同媒介創作，每件都訴說著自己的故事。一進入展館即看見兩側展出的中小學生創作，右邊以拼豆和拼剪技巧結合起來的相片五顏六色，相當搶眼；相中果欄的大街小巷，也與小學生的奇思妙想無縫接軌。這些可愛的作品並非為炫耀甚麼美術技巧 —— 很單純地就是帶我們經小朋友最天真無邪的眼睛，窺看一下他們成長的小社區。 搭𨋢上到一樓展館，最引人注目的是左方卡板上的幾張舊式座椅和耳機，據說裝置上的椅子是由藝術家跟油麻地居民換來的。坐上椅子，戴上耳機，便能聽到油麻地居民分享他們在社區中的經歷。藝術家透過樸實無華的錄音讓社區的記憶得以留存 —— 歷史文書一般紀錄社區大事，而口述歷史則加入了每個人的生活片段，更富生活感。 木牆上展示了與西九各區有關的電影，能讓大家懷緬一下昔日的西九。西九龍一帶近年大興土木，電影中當年的街道大廈已

藝術不單單止於作品自身的實體界限，有時更能靠作者的巧妙安排融入環境，讓自然也成為作品的一部分。作品《似近還遠》就令身處室內的人有種置身自然之中的錯覺。 香港視覺藝術中心（vA!）內以金屬支架搭成的玻璃頂拱，讓人踏進建築物後依然能近距離欣賞到旁邊香港公園的枝繁葉茂。這自然成為了作品《似近還遠》的啟發之一：藝術家譚若蘭（Cordelia）把附近雀鳥的叫聲錄下，啁啾不斷的聲音迴盪於純白的空間中。聲音、投影、燈光、自然光，還有托裱在窗戶的手造紙和紙製樹葉，一一組成了此作品的主要結構。 藝術家手造的紙張質感獨特，固然是一大看頭。但若要幫各元素排優先次序的話，筆者更認為自然光是重中之重。Cordelia把光融入作品，凸顯自然「變化」與作品的互動：筆者進館時尚有陽光，能夠清楚看見日光投射出來的光影 —— 柱子頂拱的幾何圖案，緩緩搖晃的樹幹和葉子，俱與展板和牆壁融為一體；稍後天色轉陰，牆上的動畫沒有了直射的陽光，卻顯得更清晰。如此一來，不論晴陰，參觀者在室內無懼天氣轉變，仍能各有樂趣。 除了陰晴，作品中亦能看到日夜變化 —— 紙張的質感也與光線息息相關。Cord

疫情爆發後，許多人類活動停擺，但這個停擺竟成為大自然喘息的空隙，令我們可以難得地停一停，思考人與環境的關係。 綠惜地球 @greenearthhk 以「瞬間拼地球」為主題，舉行了活動廢物再生展覽和一連串活動。展覽刻意凝著每一霎，將各種散落在時間的素材拾起，化成展品：紙杯伴隨在魚群飄游，由744個塑膠水樽堆砌的巨浪飛騰至半空，厚重的活動恤衫纏繞著正在衝刺的跑手⋯⋯一個個原本充滿動感的畫面急煞懸停，靜止的一霎帶來更深刻的衝擊感。展覽提供了另一個對環境的體驗角度，所有裝置物料都由以往香港舉辦過的大型活動中回收的廢物，並重新利用而成。人們從人類各種的活動瞬間轉移到自然生態瞬間，與其被各種廢物掩沒，不如好好利用剩餘物資，使其用得其所。 承擔起實踐環保的社會責任不應只落在企業上面。同樣身為社會一份子的我們又可以做些甚麼？這次活動內有多個環保手作坊，例如利用收集回來的舊橫額製成卡片套，以剩餘食物作為天然染料染製手袋，大豆蠟燭製作工作坊等等。每一個活動都在提醒著我們：原來落實環保比想像之中更容易，更有趣，而這些樂趣可以始於生活中簡單的小東西。 播放鍵始終要按下。

同樣是一場表演，你覺得演唱會和劇場的最大分別是甚麼？ 由香港舞蹈團排演的舞蹈劇場《一個人的哪吒》，顧名思義，重演了哪吒的經典故事。「整個表演的重點卻放在如何展現我對於『一個人』的個人看法。」負責編舞及導演的藝術總監楊雲濤如是強調。「這次表現的舞蹈員共有十位全男班成員⋯⋯雖然是在跳群舞，但重點是如何能在群舞之中呈現每個人的特色、感性，對身體的理解。」比起一步不差，彷如機械的齊整群舞，這種和而不同的包容性，會不會也是對群體中的個體自處之道的一種反思？ 「到底群體與個體之間的理想狀態是甚麼？」作為一個團隊，舞台的呈現除了台上演出的舞蹈員之外，燈光、服裝等幕後工作人員均是缺一不可，每一位都功不可沒。楊總監形容表演「比較像是共同創作」，因為團隊中人人都有自己的想法，大家必須互相交流、溝通，找到共識來完成作品。排練時適逢新一波疫情，於是改行「一對一的舞蹈練習」；如此一來，比起把劇目意義、舞步和效果逐一加諸於舞台上，倒不如說是由這種調合而和諧的狀態演繹整個劇目 —— 舞蹈員不再單單按劇本舞動肢體，而是自然地向觀眾展示個體與個體之間融和的美學，演活了整個空間與故

Art Basel 和 Art Central 延期多月後，近日終於開幕。不過，若你對大型博覽並無特別大興趣，不妨探索一下其他不用買飛排隊的小地方，漫遊一日港島！ 1️⃣ 香港大學美術館 港大美術館主展廳現正展出攝影師秦偉攝於90年代歐洲的作品。照片已有三十年歷史，有些景色開始模糊，部分底片更早已破損。有趣的是，攝影師也選擇把黴壞的作品展出，或許因為這種物理上的衰變也跟我們腦海中的記憶性質一樣吧。進入二樓展覽的側廳，展出外銷瓷器的展覽意外地有趣。輸出世界各地的瓷器在設計上產生了不同變異，例如中東國家的瓷器會寫上伊斯蘭書法，取代了中國的吉祥圖案或花樣，還可以看到歐洲人訂造的陶瓷麵包籃⋯⋯足以一窺中西文明如何在舊世界薈萃。 時間的漫遊 日期｜至9月25日（星期二至日） 時間｜9:30-18:00（逢星期二至六），13:00-18:00（逢星期日）；大學及公眾假期休息 地點｜薄扶林般咸道90號 收費｜免費 2️⃣ 龍虎山環境教育中心 這間環境教育中心同樣位於港大附近。由港大美術館出發，步行大約10分鐘便到達龍虎山山腳。展覽現正展出日本藝術家 Ayumi

同一樣事物，看兩次會悶嗎？ 事物相似、相連、相通，除了是單純的重複外，帶來的好壞影響也會隨之加乘。是次的賽馬會藝方展覽最為人津津樂道的定必是佈局與裝置手法：美術館既有一系列的不同作品分佈各處，也有圍繞特定主題而集中展示的作品區，但當我們走到三樓的時候，竟會發現形式和佈局上都跟一樓極度相似，互相呼應，不禁讓人有一刻以為自己時空錯亂了——所謂的「déjà vu」（既視感）。 除了最直接的場景佈置，講述雙胞胎同異的紀錄訪談等錄像作品外，與現實相呼應的作品令整個體驗更像一個介乎現實與情景之間的交流，或衝突。由一個個相似的主體出發，看著螢幕上患上創傷後遺症的機師重複又重複地說著同一句話；電影、遊戲、鏡頭和社交媒體記錄下來的角色；被去掉原聲卻又被重新配上音效的「現場直播」；從抽離的藝術館跳入荒誕離奇的現實和災難⋯⋯一切那麼熟悉卻又那麼陌生。人身置其中，只覺渾沌困惑。 藝術品不全是憑空創作而成 —— 多麼荒誕離奇、天馬行空的想像始終也是緣於現實的觀察和感覺而生。此展出色的地方，不止能令觀眾由淺入深地看到作品之間的相似相異之處；若掀起那一層現實的薄紗，能否留意到

一位畫家的創作歷練及生命旅程，往往能在其作品之中展現出來。 香港藝術館的「吳冠中 ── 速寫生命」展覽以一幅巨型寫生稿為主角，配合實地採訪片段及其他精選館藏速寫稿和畫作，讓觀眾認識這個影響大師大半生創作的重要母題。吳冠中作為一代畫壇大師，藝術創作之路多變但豐富，其畫筆下的「木」尤其令人印象深刻。 「速寫」要求畫家在短時間內捕捉事物的形與態，實在絕非易事。長達三米、由三張高麗紙合併而成的《漢柏寫生原稿》（圖3）是展覽中第一幅映入眼簾的速寫作品，亦是這次展覽令人矚目的主角。吳冠中於1974年在蘇州看到四棵相傳曾被雷擊仍屹立不倒的千年古柏，其曲折盤纏的獨特形態令他為之驚嘆，便即場寫生紀錄四棵古樹的整體風貌。吳冠中以西方抽象美學的繪畫風格提煉出「木」在中國國畫的意象，四棵古樹虬曲蒼勁的氣勢，有高聳上天，有橫臥地上。他以張弛有力的線條細緻地刻畫漢柏「清」、「奇」、「古」、「怪」的不同形態。經過這次寫生，吳冠中從此便與漢柏結緣，在往後超過三十年的藝術生涯中，他多次以這幅寫生稿為藍本創作多幅經典作品，當中亦看到大師創作風格上的轉變。 若論畫功，不少工筆水墨畫家

除了可以透過五官觀察和感受之外，還能觸動心靈的展覽可否說是一場「6D」體驗？ 「無障礙」一字對你和我或許並不陌生：導盲磚、手語、輪椅通道等等隨處可見。可是，如果你家中或身旁沒有認識不同障礙的人士，這一切似乎都事不關己。糊塗戲班主辦的《無障礙體驗之旅》透過虛實相間的線上體驗，讓我們設身處地感受他們生活的一次機會。 筆者經網上登記後（連結見下），不久就收到大會寄出的體驗包（影片見Instagram），內附導賞手冊以及模擬「糖尿病視網膜病變」和「白內障」的視障眼鏡。筆者除了大概知道視障朋友看東西會不清楚外，實際上並不了解他們眼睛看到的世界是什麼樣子，更不知道視障成因以及各種視障之間的種種分別。打開展覽連結，戴上視障眼鏡，嘗試看着螢幕上一幅幅名畫，頓時有種「原來如此」的感覺（參考圖3）。 要在一場虛擬展覽中遙距操縱參加者的五官感受，實在很考主辦者的策展能力。如何讓參加者透過幾寸大的小螢幕感受到不同障礙人士的日常困難？試試闔上眼睛收發訊息。電話內置的讀屏功能可以讀出訊息內容，但要如何回覆？附件鍵在哪？如何拍照、找圖片？手中的電話只是一塊平平的玻璃，沒有任何

河對於我們，到底有着怎樣的意義？ 《河上沒有人唱歌》是本地藝術家羅玉梅在「未竟之園」展覽中的展區，接連早前介紹過的土沉香展區。看過沉香樹後，轉來到空間較暗的展區，彷彿瞬刻掉進了水底。黑色的屏幕有如水面一樣反射着展廳空間，高空航拍影片看到了地面人類活動與自然的交錯；展廳中間裝置了一把像下水道入口的直梯 —— 觀眾猶如潛到水道中，聆聽着河床上的水流石響，噹噹聲在同一個空間裏流轉；這一條河和她的分支正訴說着她的故事。主流和分支的所盛載的物質本來不同，然而水流終究會把它們聚合到交匯處，合二為一，產生新的生態 —— 展廳膠桶中的水就是取自兩條河的交匯處。 這幾條於上水北面匯集、流進港深邊境的河流，居然都有印度名字。事緣當年英國向清朝政府租借新界後，派遣了一位印籍土地測量師來港測繪新界河流。不知是基於思鄉情愁，還是為了促進大英融和，測量師竟以印巴邊界一帶的河流名稱為這幾條河命名：梧桐河叫「River Indus」（印度河）；它的支流雙魚河叫「River Beas」（比亞斯河），石上河則叫「River Sutlej」（象泉河）。 時至今日，也許再沒有人會同情

你上一次聽到「土沉香」這種樹，是否因為它被非法砍伐的新聞？ 土沉香是香港原生物種。明代本港曾盛產這種香樹，並作為港口把土沉香的產品輸出各地，據聞「香港」就因而得名。現今作為受保護的瀕危植物，土沉香一般不能私自種植，而且野生土沉香被私自砍伐的新聞不絕，即使你拿到了種子私自下種，大概也只敢偷偷摸摸，不然說不定就會被某些遠赴來港的偷樹賊斬掉。自此，「瀕危物種」和「名貴」大概就總括了大眾對土沉香的印象。 油街實現近日邀請了本地藝術家楊沛鏗參與「未竟之園」展覽，探討人與自然的關係，而楊的展區就以土沉香為主題。為了幫助植物生長，人們有時候會用植物燈：紅光促進植物發芽開花，藍光則促進植物生長散葉。紅加藍變紫，展區其中一間房間「生長亭」就放置了紫色的植物燈，同時也玩弄了人類生理上的視覺限制 —— 觀眾由此眩目的房間走入另一空間後，眼睛需要時間適應，而此刻眼前的顏色會變得偏綠，增加了感知空間和觀察事物的難度。 只不過，觀察的方式又何止視覺而已？大房間中間吊起的一粒大種子，其實是土沉香的種子。楊稱，這是為了賦予觀眾一個昆蟲般的角色：「這粒土沉香種子的尺寸放大了36

如果展品可以任由訪客踐踏、改造，我們該以甚麼角度欣賞這件作品？ 上環The Catalyst被改造成一片凹凸起伏的小沙漠。空間內的沙是流動的，型態持續被不同的因素改變著：藝術家每星期都會重塑全場 —— 飛沙走石過後，緊迫的小沙丘變成了起稜角的一個個隕石坑，又或是頂上凹陷的火山口；又會有舞者來場在沙上演出，以肢體劃出痕跡；更多的是訪客踏在沙上的腳印，或是坐在沙上的屁股印。 展覽的主題可謂是回歸基本。藝術家進士渉和張徑均畢業自UC Berkeley建築系，醉心高樓大廈的建築師這次卻把視線放到了最渺小的物質：沙。沙粒在自然世界中是最基礎的物質之一，包容性大，是人類自古以來建屋的主要原材料。古時人們只能就地取材，採用當地的沙和其他資源混合成建築材料，因此各地的史前建築因環境地理不同而各有特色。樓上就展示了收集自世界各地的不同沙粒，顏色非常多彩（甚至有本身是海洋生物甲殼的沖繩「星沙」）。 然而到了今天，無論你身處南美、北歐，東亞還是西非，簇新的樓宇均一律以玻璃、石屎、磚塊等現代建材建成，不同的可能只有形狀風格。不過如果深入看看這些建材，其實玻璃、石屎、磚塊

公營展覽場所遲遲未重開，只得成日屈在家中高凳發呆？富德樓十樓有張不同的凳，或許能讓你的屁股重獲點新鮮感。 此展名為《The Chair in the Room》，顧名思義主角就是椅子。場地中間放置了畫中的椅子，不過剛好有人坐下休息，筆者就沒有拍照。椅子本身沒有什麼特別，似乎後面的環境、物件、筆觸和氛圍，才是造就那張椅子與眾不同的原因。這樣看的話，到底哪邊才是主角？ 作品中不難找到有趣的對比：鮮黃色的飛機模型與土色系的書桌、畫得細緻的鼻子輪廓與看似隨意的髮型⋯⋯ 景物雖然一樣，油畫和水彩畫營造的氛圍截然不同。若隱若現的 Lucian Freud 肖像，與 Freud 相似的筆觸和牆上的作品描述，都提示了作品的創作靈感；的骰房間中堆砌的書本和密密麻麻的文宣貼紙，又是暗示著誰的生活？ 畫家陳功晉形容作品用上了「自傳式」的畫法。所謂自傳式，除了是畫出當刻瞳孔捕捉到的實體回憶，也紀錄了那一刻的情緒和思惑。在相機發明前，畫作也有著相同的功用 —— 在談論藝術性、主義流派前，首先它是一份歷史紀錄；然後再由顏色和筆觸微調著場景的溫度。現在看看自己電話中的陳年舊

夜遊會讓你聯想到什麼？昏暗街燈下夜遊於空無一人的街道上，可能一半是寂寞，一半是平靜；而在黑色大海中夜「游」，便成了一件更深邃、不可測的事。現居倫敦的藝術家何淑美，六年前一次到大嶼山海岸夜泳，那晚她眼中一大片黑暗的天與海成為了是次展覽的主題之一。 Corn用上了蜂蠟作畫：不需言語筆墨、聲音動畫，畫布上的水流蕩漾層次已很豐富。筆者不諳水性，單是想像在茫無邊際的大海中飄浮已夠恐怖 —— 那麼，從海中心望回陸地的感覺如何？遙遠的陸地上有一點一點模模糊糊的燈光浮動，遠處也可能偶爾會有一兩艘小船經過，但微弱的摩打聲遠不及耳邊的海濤聲。眼前冰冷而湧動的海水黑如墨水，左一波右一波地肆意推撞身體，使人感覺完全是陷入了大海的股掌中。沒有人被淹沒，但所有人的表情都一樣冰冷、孤獨、無力，也無動於衷。他們在想什麼？是默認接受了不由自主的命運嗎？然後有一個人，無懼風暴，一直努力游呀游，終於爬上了似是浮臺的安全島。 與冰冷海水成對比的是另一邊的《植物庭園》。這是一個由日常開始創作的系列，園藝植物和公園裏散步的點滴充滿溫暖的色彩，還有可愛的小動物。自疫情伊始，筆者每日都會落樓散

在博物館以外仍有大大小小保存文獻的機構，AAA便是其一。 亞洲藝術文獻庫（Asia Art Archive），顧名思義是專門收藏「亞洲藝術」屬類的文獻庫。AAA的館藏總監 Elaine 指，到訪的大多是學者、教授和策展人。對於一般大眾而言，「文獻庫」並不是熟悉的存在；若不是有研究項目在手，就算是從未聽聞也不出奇。然而，在香港設立一個不附屬任何大學或博物館、非牟利的獨立文獻庫，不單補足了藝術書上的一段段空白，更能由藝術和文化角度鑑賞一個國家的歷史。 「開館當初（2000年）的確是比較集中在中國近代藝術史。80年代有關藝術歷史的雜誌大多不會再發行，但仍能收集到資料；60至70年代則差不多全無，故當務之急是整理該段藝術史。」到了現在，AAA也開始投入研究表演藝術（performance art）、藝術教育（art education）等議題，題材更闊、更廣。於筆者而言，這個方向亦更緊貼時代洪流。 以表演藝術為例，圖書館中的「文獻」彷似與強調身體、時間、空間性的「表演」有著完全相反的特質；但既然表演藝術也是一種重要的現代藝術形式，是不是也該找個方法

早排看到 @mm.milkmilk 介紹寮屋區的報道，好奇下決定一訪。油塘一帶對許多人的印象可能都是一個 bed town，或是個日漸褪色的工業區。筆者相隔多年再來此地，步出車站就看見昔日海濱破爛的舊工廠已經消失不見，半條街被圍板封起；不變的是泥頭車、吊臂車繼續一架架駛過，遠處的工業噪音依然響亮。油塘站東南方是大家熟悉的鯉魚門三家村一帶，而沿茶果嶺道向西北面走則會看見茶果嶺寮屋區。 茶果嶺村歷史悠久，曾以盛產花崗岩聞名，據說連中環終審法院也有採用茶果嶺出產的岩石建造，至今村內也可見不少石屋，猜想村民該以礦石為傲。（畢竟要對產品質素有信心，才會用來建屋給自己和妻兒住！）到後來採石業式微，村落也就開始凋零。寮屋區實在談不上有什麼規劃：左邊一間鐵皮屋，右邊是掛著幾件衣服的電線桿，雜物散落各處。筆者今次在平日到訪，無緣嚐到人人推薦的榮華冰室。村內不少人家的通花鐵閘都印有舖頭名，不過筆者估計它們許多早已變回普通的民居，或是人去樓空，鐵閘上的舖頭名也就只是個歷史印記。拆遷在即，即使是看似仍未冚檔的，大部份舖頭都沒有開門，連原本燈火鼎盛的茶果嶺天后廟也因疫情關